Frauen-Bilder

Zürich, Museum für Gestaltung, Donnerstag 8. Februar, 13.30 bis 17 Uhr

Anlässlich der aktuellen Ausstellungen „Königinnendisziplin – Plakate von Gestalterinnen“ und „Talking Bodies – Köperbilder im Plakat“ im Museum für Gestaltung Zürich widmet sich das diesjährige Kolloquium des Vereins Schweizer Plakatsammlungen einerseits weiblichen Vertreterinnen des Plakats und der angewandten Grafik. Andererseits wird untersucht, wie Frauen im Plakat Darstellung fanden und finden, welche Kontinuitäten und Brüche sich hier zeigen.

Programm:

Julia Meer, Kuratorin und Leiterin der Sammlung Grafik und Plakat des Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg

„The F*word – Sammlungsanalyse mit den Strategien der Guerrilla Girls“

Julia Meer studierte Kommunikationsdesign und promovierte zur Rezeption der Neuen Typografie. Gemeinsam mit Gerda Breuer war sie Herausgeberin von „Women in Graphic Design 1890–2012“. Julia Meer war in der Forschung und Lehre u.a. in Wuppertal, Berlin, Potsdam und Cambridge tätig. Seit 2020 ist sie Kuratorin und Leiterin der Sammlung Grafik und Plakat des Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg.

Abstract:

Im letzten Jahr hing ein Banner an der zentralen Fassade des Museum für Kunst und Gewerbe (MK&G) in Hamburg. Darauf zu sehen war ein Franzbrötchen (eine Art Zimt-Croissant, eine Hamburger Gebäck-Spezialität), von dem ein winziger Krümel abgebrochen war. Daneben standen die Sätze: “Dieses Franzbrötchen repräsentiert die 400.000 Arbeiten der Sammlung Grafik und Plakat. Dieser Krümel die Arbeiten von Frauen: 1,5%.“

Bereits in den 1920er-Jahren machten Frauen 5% der Mitglieder des deutschen Berufsverbands Bund Deutscher Gebrauchsgrafiker aus. Zusätzlich zu den für Frauen bis heute vielfach erschwerten Bedingungen auf dem Arbeitsmarkt wurden also weniger Arbeiten bewahrt als von ihren männlichen Kollegen. Die Ausstellung The F*word – Guerrilla Girls und feministisches Grafikdesign ging den Ursachen nach und fragte, wie sich die Situation verbessern lässt.

Im Vortrag vorgestellt werden zunächst die einzelnen Räume der Ausstellung: Im zentralen Raum wurden rund 100 Arbeiten der Guerrilla Girls gezeigt, eine Aktivist:innengruppe, die seit knapp 40 Jahren Sexismus, Rassismus und Korruption im Kunstbetrieb anprangert. Sie gestalten textlich wie motivisch pointierte Plakate, die meist wild plakatiert wurden. Oftmals verwenden sie Statistiken, um auf Missstände hinzuweisen. So haben sie beispielsweise 1989 im Metropolitan Museum gezählt, wie viele der ausgestellten Gemälde von Frauen gemalt wurden: 5%.

Im angrenzenden Raum werden die 1,5% des MK&G genauer untersucht: Wann kamen die Arbeiten ins Haus, in welchen Ländern wurden sie geschaffen, mit wie vielen Arbeiten sind die Gestalterinnen vertreten? Die meisten sind tatsächlich mit nur einer Arbeit repräsentiert, was darauf hindeutet, dass kein Interesse an ihrer Person, sondern am Motiv bestand. Nur wenige Frauen sind mit so vielen Arbeiten vertreten, dass sich daraus eine monografische Ausstellung entwickeln oder auch nur etwas über ihre Entwicklung und ihr Oeuvre sagen ließe, darunter keine Plakatgestalterin.

Der nächste Raum zeigt eine Auswahl der Arbeiten von Gestalterinnen – über alle Genres, Zeiten und Stile hinweg. Es wird deutlich, dass es keine “weibliche“ Gestaltung gibt und es trotz widriger Bedingungen immer Frauen gab, die es geschafft haben, sich zu etablieren – bzw. in die Sammlung aufgenommen zu werden. Dabei werden einige Muster deutlich: Es sind vorrangig Gestalterinnen, die mit einem erfolgreichen Gestalter verheiratet waren oder enge Beziehungen zum Museum hatten.

Daneben finden sich Arbeiten von Gestalterinnen, die in männlich dominierte Netzwerke wie die Alliance Graphique Internationale (AGI) aufgenommen wurden und hohe mediale Sichtbarkeit hatten – also Anerkennung im etablierten Wertesystem gefunden haben. Entsprechend wurden – wenn auch in deutlich geringerer Zahl als von männlichen Kollegen – Arbeiten gesammelt, die anerkannten Stilen zugerechnet werden, etwa der Polnischen Plakatschule, dem russischen Konstruktivismus oder dem Schweizer Grafikdesign.

Wie soll es nun weitergehen mit der Sammlung des MK&G? In den weiteren Räumen macht die Ausstellung Perspektiven auf. Ein wichtiges Thema ist die Selbstrepräsentation, gezeigt werden feministische Publikationen, vor allem sogenannte “Zines“, kleine, unabhängig verlegte und vertriebene Hefte, in denen die Autor:innen und Gestalter:innen meist sehr subjektiv über ihre Erfahrungen berichten. Die Zines kamen über einen “Open Call“ ins Museum und machen es möglich, nicht nur über erfolgreiche Karrieren zu sprechen. In den Zines werden die andauernden Herausforderungen, vor denen viele Gestalter:innen stehen, greifbar, sei es aufgrund ihres Geschlechts, ihrer geografischen oder sozioökonomischen Herkunft oder anderen Faktoren. Gleichzeitig rütteln die Hefte an vielen etablierten Vorstellung dazu, was “sammlungswürdig“ ist und in einem Museum für Gestaltung bewahrt und gezeigt werden sollte. Sollten auch Arbeiten von Amateur:innen in die Sammlung eingehen? Was ist “gute“ Gestaltung? Und wer entscheidet, was sammlungswürdig ist?

Silvia Francia, Plakat- und Editorial-Designerin, Carouge

„Une histoire de vie à travers les travaux d’une femme graphiste romande“ (in französischer Sprache)

Eine Lebensgeschichte am Beispiel der Arbeiten einer Westschweizer Grafikerin

Silvia Francia ist vor allem als Plakat- und Editorial-Designerin in der Genfer Theaterszene tätig Zeitweise unterrichtete sie Grafikdesign am Centre de formation professionelle, CFP Arts, zudem leitet sie Workshops an der Haute école d’art, HEAD. Silvia Francia hat drei Kinderbücher geschrieben und illustriert und zeichnet und malt weiterhin auf ihren Reisen und Wanderungen in den Bergen.

Abstract:

Ich wurde 1961 geboren und verbrachte meine gesamte Kindheit in Meyrin direkt neben Genf. Diese Gemeinde hatte die Besonderheit, dass sie ganz in der Nähe des CERN (Conseil Européen pour la Recherche Nucléaire) lag, das damals gerade gegründet wurde. Hunderte von Familien aus allen Kulturen, darunter auch meine Eltern, ließen sich zur gleichen Zeit in Meyrin nieder. Wir wohnten alle in ähnlichen Wohnungen und besuchten die öffentliche Schule, jede:r mit seiner eigenen Kultur, seinen eigenen Gewohnheiten und Lebensweisen im Hintergrund. Unsere Unterschiede spiegelten sich unter anderem in der Einrichtung unserer Wohnungen wider. Diese reiche kulturelle Vielfalt ist wahrscheinlich meine erste Einflussquelle. Sie hat meine visuelle Welt genährt und meinen Blick für andere Menschen geöffnet, aber auch meine Neugier auf Andersartigkeit und auf Unterschiede geweckt. Diese Neugierde habe ich mir bis heute bewahrt und sie ist mir eine wesentliche Stütze, wenn ich für neue Projekte recherchiere.

Theaterplakate

Théâtre Saint-Gervais Genève: Nach der Matura und einer Ausbildung an der École des arts décoratifs de Genève gründete ich 1995 zusammen mit meinen damaligen Grafik-Kolleg:innen ein Kollektiv von Freiberuflern mit dem Namen „Belvédère“ (BLVDR). Wir hatten gerade unseren ersten Grafikwettbewerb für das Théâtre de Saint-Gervais gewonnen und wollten unsere kreativen Ideen zusammenführen. Im Jahr 2000 führten wir ein grafisches Konzept ein, das meine spätere Arbeitsweise maßgeblich beeinflusst hat. Die Herausforderung bestand damals darin, eine formale Vorlage zu schaffen, die wiedererkennbar ist, und gleichzeitig die Möglichkeit zu bewahren, innerhalb derselben mit größtmöglicher kreativer Freiheit zu operieren. Das Grundprinzip war sehr einfach: Die notwendigen Informationen und das Logo wurden in einer Art Legende zusammengefasst, die an eine Eintrittskarte erinnerte. Nach mehreren Jahren erweiterten wir unsere eigenen Vorgaben und fügten ein zweites Prinzip hinzu: Pro Theatersaison wurde die Farbe Schwarz mit einer Buntfarbe ergänzt.

Comédie de Genève: Zwischen 2007 und 2011, als ich noch für das Théâtre de Saint-Gervais arbeitete, schlug mir Anne Bisang, damals die erste Frau, die zur Direktorin des wichtigsten Stadttheaters von Genf ernannt wurde, meine erste Solo-Zusammenarbeit vor: Als erklärte Feministin und engagierte Frau wollte sie einer Grafikerin eine Chance geben. Diese Zusammenarbeit war für mich eine geniale Gelegenheit, um einerseits innerhalb eines institutionellen Rahmens grafisch forschend und experimentell tätig zu sein, andererseits breite Sichtbarkeit zu erhalten. Nach der dritten, eher mit einem klassischen Zugriff beworbenen Saison schlug ich der Direktorin ein grafisches Erscheinungsbild vor, das sich auf die Farben Gold, Rot und Schwarz reduzierte und mir über diesen farblichen Rahmen hinaus maximale kreative Freiheit erlaubte.

TMG: Im Jahr 2015 wurde Isabelle Matter Direktorin des Théâtre des Marionnettes de Genève. Ich kannte sie, da ich bereits für eine ihrer Aufführungen am Théâtre Saint-Gervais ein Plakat entworfen hatte. Sie bat mich, mit ihr zusammenzuarbeiten, und ich nahm dieses Angebot begeistert an. In meiner Arbeit für das TMG konnte ich meine beiden Fähigkeiten, Grafikdesign und Illustration, ideal verknüpfen. Mein Vorschlag war, pro Saison ein neues grafisches Konzept zu erarbeiten. Auf diese Weise konnte ich unterschiedliche visuelle Zugänge und Techniken erkunden.

Plakate für Blaskapellen

Diesen Auftrag erhielt ich von Sarah Margot, die bei der Stadt Genf für Werbung und Kommunikation verantwortlich ist. Ihr Anliegen war es, das überholte Image der Fanfare aufzufrischen. Keine Posaunen und Trommeln mehr auf dem Plakat!

Zeitung

ADC: Im Rahmen meiner Zusammenarbeit mit Frauen habe ich auf Einladung von Anne Davier, der Leiterin des ADC-Pavillons, auch im Bereich Editorial-Design gearbeitet, unter anderem für das ADC Contemporary Dance Journal. Im Jahr 2010 wollte der Verein für zeitgenössischen Tanz das Erscheinungsbild seiner Zeitschrift erstmals auffrischen und professionalisieren. Erneut war es 2019, nach rund zwanzig Ausgaben, das Anliegen von Anne Davier, die Zeitung sowohl inhaltlich als auch formal mit einem radikalen Vorschlag visuell zu erneuern: Verzicht auf Fotos, nur Integration von Schwarz-Weiß-Illustrationen aus der Hand von Frauen. Diese Vorgaben ermöglichten mir grafische Recherchen für ein Layout, das Text und Illustration in einen gleichberechtigten, ausdrucksstarken und lesbaren Dialog setzt.

Grafikdesignerin in Genf

Während meiner Tätigkeit als Grafikdesignerin in Genf erhielten nur sehr wenige Frauen wichtige Aufträge im Kulturbereich. Meistens fiel die Wahl auf sie, weil sie entweder Teil eines grösseren Grafikbüros waren oder mit einem Mann im Duo arbeiteten. Oder sie wurden «nur» als Illustratorinnen hinzugezogen. Dieser unbewusste Ausschlussreflex bei den Leiter:innen von Institutionen besteht noch heute, auch wenn sich die Dinge ändern. Dadurch verbleiben Frauen in der Position der Dekorateurin oder Ankleiderin einer Institution und werden kaum als künstlerisch aktive, ernst zu nehmende Mitarbeiterinnen einbezogen. Exemplarisch dafür ist mein letzter Auftrag als Plakatgestalterin für das Marionettentheater. Dieser entspricht einem typisch weiblichen Mandat mit einem harmlosen und unterbewerteten Image. Voraussichtlich hätte ein Mann für diesen Auftrag weitaus grössere Anerkennung erhalten, da ihm die besondere Sensibilität dafür, weil von einem Mann weniger erwartet, als Verdienst zugekommen wäre. Umgekehrt wird eine zugespitzte zeitgenössische Grafik, die noch heute oft mit einer rebellischen maskulinen Rock-Punk-Ästhetik assoziiert wird, von Grafikerinnen kaum vorgestellt, da sie das entsprechende Umfeld weniger aufsuchen. Zudem wird eine entsprechend radikale und pointierte grafische Haltung von Frauen noch immer gefürchtet. Darüber hinaus haben wir Frauen größere Vorbehalte, künstlerische Codes aufzubrechen, beispielsweise Arbeiten zu präsentieren, die an der Grenze der Lesbarkeit stehen.

Allerdings setze ich große Hoffnungen für die neue Generation, da das Bewusstsein für diese Themen oft auch in den Institutionen immer größer wird.

Bettina Richter, Kuratorin Plakatsammlung, Museum für Gestaltung Zürich

„Male Gaze – Eine kurze Geschichte zur Darstellung des weiblichen Körpers im Plakat“

Bettina Richter ist Kunsthistorikerin. Seit 1997 arbeitet sie in der Plakatsammlung des Museum für Gestaltung Zürich, seit 2007 in der Funktion der Sammlungskuratorin. Bettina Richter ist Herausgeberin der Publikationsreihe «Poster Collection». Neben temporärer Lehrtätigkeit veröffentlicht sie Texte und hält Vorträge zu kunst- und literaturhistorischen Themen sowie zum Themengegenstand Plakat.

Abstract:

Der Frauenkörper steht schon seit Beginn des modernen Bildplakats um 1860 im Fokus des Plakats. Er muss für die unterschiedlichsten Produktvermarktungen als Eyecatcher herhalten, wird aber auch in Kulturplakaten bis in die Gegenwart hinein objektifiziert und sexualisiert. Die Darstellung des weiblichen Körpers in der Werbung und besonders im Plakat, das die grösste öffentliche Sichtbarkeit geniesst, erweist sich so als erstaunlich resistent gegenüber jedem gesellschaftlichen Wandel, neuen Rollen- und Frauenbildern, einer neuen Pluralisierung von Gender. Sie verharrt im binären System und zeigt weiterhin fast nur idealisierte Normkörper.

Woher kommen diese Bilder, wie kommt es zu ihrem hartnäckigen Fortbestehen, zu einem raschen Backlash je nach gesellschaftspolitischer Situation? Und gibt es Gegenstrategien?

Der Begriff Male Gaze wurde 1975 von der Filmkritikerin Laura Mulvey entwickelt und beschreibt die Normierung einer cis männlichen, heterosexuellen Perspektive im Film. Als Zeugnis einer patriarchalen Vorherrschaft findet er sich aber in allen Medien und in der ganzen Kulturindustrie wieder. Anfang der 1970er-Jahre beschrieb der Schriftsteller, Maler und Kunstkritiker John Berger die Werbung als “Kultur der Konsumgesellschaft“ und verwies darauf, wie eng die Rhetoriken von Kunst und Werbung verschränkt sind:  Die Darstellung männlicher, weiblicher oder auch rassifizierter Körper in den Massenmedien greife direkt auf die christliche Kultur und die europäische Kunstgeschichte zurück, deren Bilder sich tief in das kollektive Gedächtnis eingeschrieben haben. Ihre Wirkmächtigkeit beweist sich gerade darin, dass sie lange unhinterfragt blieben. Erst mit Verspätung wurden feministische und rassismuskritische Ansätze in die Kunstgeschichte eingebracht.

So wurde der weibliche Akt seit seinem Eintritt in die Kunst sexualisiert, indem er mit seiner Gestik und Mimik auf den voyeuristischen Blick von aussen reagierte, während der männliche Körper sich selbst genügte bzw. stets als Verkörperung des männlichen Prinzips von Kraft und Sieg, mithin für eine höhere Idee stand. Damit etablierte sich früh ein Macht- und Gewaltverhältnis in der Geschlechterdarstellung: Der behauptete Gendergegensatz zwischen Subjekt-Objekt, Kultur-Natur, aktiv-passiv, Geist-Körper, öffentlich-privat zeigt sich in Bildern exemplarisch.

Zahlreiche Werke der Kunstgeschichte, die den weiblichen Körper darstellen, legitimieren dies mit einem Rückbezug auf mythologische und biblische Erzählungen. Kulturelle Prägungen und soziale Setzungen werden so fortgesetzt und als naturalisierte Geschlechterdifferenz behauptet. Massenmediale Bilder, vor allem auch die Werbung knüpfen nahtlos an diese visuellen Denkmuster an und unterstützen damit vermeintlich wissenschaftliche Erkenntnisse einer streng binären Geschlechterauffassung, was der Soziologe Erving Goffman 1979 in seinem Klassiker Gender Advertisements darlegte durch die Analyse von Posen, Gestik, Mimik, Rollen etc.

Konsum- und Tourismusplakate beweisen die einseitige Instrumentalisierung des weiblichen Körpers und seine Objektifizierung, Sexualisierung, Anonymisierung und Fragmentierung, aber selbst in Kulturplakaten findet diese reduzierte Darstellung ihre Fortsetzung bis heute. Insbesondere werden auch Schwarze weibliche Körper weiterhin sexualisiert, fetischisiert und mystifiziert und entlarven rassistische Klischees, die die Geschichte von Versklavung und Kolonialismus fortsetzen.

Radikale Gegenbilder finden wir vor allem in der bildenden Kunst ab den 1970er-Jahren. In der feministischen Avantgarde dieser Zeit, beispielsweise bei Valie Export oder Marianne Wex, wird auf Missbrauch und Objektifizierung des weiblichen Körpers aufmerksam gemacht. Zeitgleich werden aber in vermeintlich progressiven Plakaten weiterhin stereotype Frauen-Bilder vorgeführt, widerständige Posen vereinnahmt. In der Gegenwart hat sich die Spaltung zwischen bildender Kunst und massenmedialen Bildern, auch in den social media, nochmals verstärkt: Während in der bildenden Kunst weniger das Frau-Sein und Weiblichkeit verhandelt, sondern Geschlecht vielmehr als Konstruktion und performativer Prozess beschrieben werden, zeigt die Werbung meist nur kurzfristig diverse Körperbilder und folgt damit eher der raschen Aufmerksamkeitsgenerierung und Marketinginteressen. Immer noch werden diese «anderen» Bilder rasch überschrieben von den bekannten Stereotypen. Hoffen lässt hier das von zwei Werberinnen initiierte Gisler-Protokoll, das für die facettenreiche Geschlechterdarstellung in Kommunikation, Marketing und Werbung eintritt, für diverse Bilder und eine inklusive Sprache plädiert und damit die Verantwortung der Werber:innen anmahnt.